Hay pocas cosas mejores que despertarse con un sol radiante, salir al jardín y desayunar con el nuevo número de la revista Empire entre las manos. A parte de encontrar un descomunal reportaje sobre El caballero oscuro:la leyenda renace, el número de Julio viene con nuevas imágenes de lo nuevo de Tarantino, justo cuando ha salido a la luz la noticia de que el primer avance en forma de trailer saldrá en cines (e internet, presuntamente) el ocho de Junio, junto al estreno de Prometheus en Estados Unidos.
A continuación, copiamos la detallada (quiza demasiado) sinopsis oficial de la película. Ambientada en el Sur de los Estados Unidos dos años antes de estallar la Guerra Civil, Djanjo Desencadenado está protagonizada por el actor ganador del Oscar® Jamie Foxx en el papel de Django, un esclavo cuyo brutal pasado con sus antiguos dueños le coloca cara a cara con el cazarrecompensas de origen alemán, el Dr. King Schultz (el actor ganador del Oscar® Christoph Waltz). Schultz sigue la pista a unos asesinos, los hermanos Brittle, y Django es el único que podrá guiarle hasta ellos para lograr su recompensa. El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle – vivos o muertos.
El éxito en su misión hace que Schultz libere a Django, pero ambos optan por no separarse y seguir el mismo camino. De esta forma, con la ayuda de Django, Schultz emprende la búsqueda y captura de los delincuentes más buscados del Sur. Perfeccionando sus aptitudes como cazador, Django se mantiene centrado en una única meta: hallar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que le fue arrebatada por el tráfico de esclavos muchos años atrás.
La búsqueda de Django y Schultz los guiará en última instancia a Calvin Candie (encarnado por el actor nominado al Oscar® Leonardo DiCaprio), el propietario de “Candyland”, una infame plantación. Al examinar la propiedad bajo falsas pretensiones, Django y Schultz levantan la sospecha de Stephen (el actor nominado al Oscar® Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de Candie. Ahora siguen sus pasos, y una despiadada organización se les aproxima. Si Django y Schultz quieren escapar con Broomhilda, se verán obligados a escoger entre la independencia y la solidaridad, entre el sacrificio y la supervivencia…
Escrita y dirigida por el ganador del Oscar® Quentin Tarantino, el filme está producido por Stacey Sher, Reginald Hudlin y Pilar Savone. Los productores ejecutivos son Harvey y Bob Weinstein, Michael Shamberg, Shannon McIntosh, y James Skotchdopole. Djanjo desencadenado será distribuida en EEUU por The Weinstein Company en Diciembre de 2012 y Sony Pictures Releasing International se encargará de la distribución internacional. Más imágenes, haciendo click aquí.
Video inspiracional del día:
Tarantino y el secreto para hacer una buena película.
Año 1997, un tipo muy serio
llamado K y un joven inexperto apodado J, aterrizaron en las grandes pantallas
de todo el mundo. Su presencia hizo que nos cuestionáramos qué es lo que nos
ocultan los altos cargos, qué vida puede existir a años luz, de verdad qué Michael
Jackson era de otro planeta, alguna vez nos ha neuralizado y a cuántas
cucarachas que hubiéramos aplastado serían primas hermanas de ese horrible
extraterrestre al que se le caía la piel.
Si con todas esas dudas no eran
suficientes en 2002 vuelven a hacer que miremos al cielo con miedo de que algo,
o más bien alguien, con un gran cardado y curvas que quitan el hipo bajara para
apoderarse de la Tierra. Pero de nuevo nuestra singular pareja evitan un grave
altercado intergaláctico, aunque para ello al intrépido J le tocó convencer a K
de que volviera a la organización, después de abandonarlo y volver al servicio
postal con su correspondiente disparo borra-memoria. Además, hay que añadir a
una hija desconocida que seduce a nuestro Junior.
Hace 15 años que el director Barry Sonnenfeld formó está
pareja, pero se supone que sus vidas se cruzaron hace 43 años, como bien nos
muestra el viaje en el tiempo que le toca hacer a Will Smith hasta 1969 sólo
porque a Boris el animal, que es el ser más feo de los que han pasado por la
trilogía, quiere vengarse de K por detenerle en esa época. J vivirá en sus
carnes el racismo, presenciará el despegue a la Luna, conocerá a un K enamorado
y optimista y por fin sabrá que es lo que le transformó en ese compañero
reservado y triste, pero por el que daría su vida.
A diferencia de otras películas
de este género galáctico: “E.T”, “Mi amigo Mac”, “Independece Day” (donde
también participa el inimitable Will Smith), “Mars Attacks”… En las que se ven
a esos seres como una amenaza a los que hay que aniquilar o esconder, en caso
de haberles cogido cariño. Sin embargo, en “Men in Black” la ideología es
integrar a los extraterrestres en la Tierra de manera normal y pacífica para
que todos convivamos en armonía y quién sabe si tu mascota es de Venus, como en
el caso de ese Carnilo que añadía el tono picante de la historia y al que se le
rinde homenaje con pequeños tributos visuales en esta última entrega.
Hay que reconocer que “Los
Hombres de Negro” han marcado un antes y un después, aunque sea a la hora de
lucir un traje. Y por ello han recibido sus pequeños reconocimientos con un
Óscar en 1997 por el maquillaje y varias nominaciones por la banda sonora, en
este caso el artista Will Smith le ha cedido ese honor al internacional Pitbull
añadiendo un toque latino. En esta tercera parte, además de la música, hay que
destacar que hay detalles que hacen que el resultado sea mejor que la segunda.
Pero para que disfrutéis, por favor, si sois tan amables de mirar a este puntito
de luz:
Ryan Murphy, creador y guionista de la serie, ha hablado con Vulture desvelando que la nueva temporada se situará en los años sesenta y ha soltado algunos detalles interesantes sobre los personajes. Y parece que si la primera tuvo bastante carga erótica la segunda va a ser aun más sexual si cabe.
Chloe Sevigny será una mujer sedienta de sexo cuyo marido hecha de casa. Otro personaje será una lesbiana: "No hay nada más espantoso que alguien diciéndote que te llevarán lejos, te meterán en una institución mental y que no tendrás derechos legales, te quedarás allí hasta el resto de tus días", asegura Murphy. Por su parte, el personaje interpretado por la francesa Lizzie Brochere será un personaje similar al de Angelina Jolie en Inocencia Interrumpida.
Ya se había comentado que esta nueva temporada estará ambientada en una institución mental dirigida por un nuevo personaje interpretado por Jessica Lange (quien ganó un globo de oro por su papel en la primera temporada y que regresa en un papel completamente diferente). Lo que no sabíamos es que si la primera temporada trató sobre la infidelidad, esta vez el tema central será la cordura."¿Quien marca la línea entre la cordura y la locura?", pregunta el creador de la serie. "A veces la gente más loca es la que está más sana". Para los creadores ha sido divertido escribir sobre personajes a los que la sociedad da la espalda. Por su parte, Evan Peters, uno de los más oscuros personajes de la primera entrega, se convertirá en esta segunda temproada en el héroe, por lo que aunque los actores repitan en la serie, serán personajes completamente nuevos: "Tendrán un aspecto diferente, van a sonar diferente. Incluso tendrán acentos diferentes", asegura el guionista.
Otro dato importante que revela el guionista es que ya tenía planeadas la segunda y tercera temporadas de la serie. Según dice hay mucha clases diferentes de casas encantadas en nuestra cultura, muchas historias de terror y muchos temas sociales diferentes que tocar bajo este escenario.
Hace poco hice un artículo comparando las series de Casi Humanos con Sangre fresca (True Blood), pero hoy me quiero centrar concretamente en la segunda ya que es un referente del género de terror vampírico y porque por fin podemos ver los tráilers de la quita temporada.
Para ponernos un poco en situación debemos hacer una pequeña sinopsis de la historia de una joven camarera pueblerina de Luisiana con el don de escuchar lo que piensan los demás y que termina enamorada de un vampiro. A este argumento central tan idílico debemos añadir subtramas en la que un cocinero homosexual es poseído por una bruja española; su prima participa en todo tipo de ritos satánicos y eróticos sin ser consciente; el hermano de la protagonista entra en una secta para acabar con los vampiros a la vez que todo un clan de mujeres pantera pretenderá quedarse embarazado de él; además un par de humanos terminan desnudos cada dos por tres al transformarse en un animal.
Como podéis apreciar, y los que la sigáis lo sabréis, True Blood dista mucho de una trama típica de enredos amorosos, traiciones y malos entendidos. Quizá si le quitáramos los litros de sangre que corren y el lado mágico/satánico se quedara en algo cotidiano, aunque dudo mucho que entonces la serie hubiera tenido el éxito que le precede de los libros en los que se basa.
Ahora nos presentan el tráiler de la nueva temporada, que para nada te deja indiferente. Si ya nos dejaron boquiabiertos con el último fotograma del capítulo final ahora han conseguido que el tiempo vuele y llegue el diez de junio cuanto antes. A lo anteriormente resumido ahora hay que añadir la avaricia de un nuevo líder vampiro que quiere una anarquía bañada en sangre. Por lo que nuestros protagonistas tendrán que dejar a un lado las diferencias para impedir que este nuevo ser del mal haga de los humanos cerdos en granjas esperando su turno en el matadero, algo que marcará aun más el odio entre humanos y vampiros. Pero a pesar de todas las novedades el guionista Alan Ball no abandona su estilo con el que parece que el sexo es su firma personal.
Así que amigos de la sangre fresca, sea cierto o no el rumor de que dicha serie se llevará a la gran pantalla como se habló en 2010, tenemos vampiros, gritos, poder, odio, sexo, rabia, dolor, magia, enfrentamientos, lobos, posesiones, lujuria y sangre para rato a partir del domingo diez de junio. Pero hasta el momento recordemos el tema principal, Bad Things (Cosas malas), por el artista de música country, Jace Everett, de su disco debut titulado con su nombre. Que como curiosidad diremos que en el momento en que True Blood se estrenó, ya no había ninguna copia disponible; pero no debido a que se agotaran, sino porque fue tan bajo su nivel de ventas que la compañía se vio obligada a retirarlo del mercado. Gracias a la serie, el tema Bad Things recibió una buena aceptación por parte del público. No olvidemos que la música tiene una gran importancia en la serie, hasta el punto de que el título (en inglés) de cada uno de los episodios es el nombre de una canción. Que lo disfrutéis.
Lleva un tiempo diciéndose que
Ridley Scott tenía en mente hacer una secuela de la que muchos consideran una
de sus obras maestras: Blade Runner
(1982). Pues bien, hace pocos días esto se confirmó y, aunque aún no se conocen
muchos detalles, os vamos a adelantar algunos de ellos (como quién será el
escritor de esta secuela).
Para los que no recuerden muy
bien, Blade Runner nos planteaba un
mundo a comienzos del siglo veintiuno en el que la Corporación Tyrell había
creado unos robots semejantes a los humanos, pero superiores en fuerza y
agilidad, llamados Nexus 6 y conocidos con el nombre de Replicantes. Tras una
gran rebelión de un equipo de Nexus 6, estos habían sido desterrados de la
Tierra. Unas brigadas especiales de policía (los Blade Runners) se encargaban
de controlar que este destierro fuera total y tenían órdenes de aniquilar a
aquellos que no habían cumplido la condena.
Para la secuela se pretende
retomar el final de la historia de Blade
Runner, y bajo ese mismo mundo y condiciones, desarrollar una nueva
historia con protagonistas diferentes. Aunque todavía no se ha decidido el
casting para la película, sí que conocemos ya que en el papel principal esta
vez habrá una mujer.
Respecto al guionista, Ridley
Scott quiere contar con el que se encargó en su momento de escribir Blade
Runner. Al fin y al cabo, nadie conoce mejor ese mundo que Hampton Fancher,
quien no solo se encargó de la película, sino que además escribió el guión para
el videojuego de la misma y el de una versión (de la película) de sesenta
segundos que la revista Empire ha preparado para su treinta aniversario.
Parece ser que Ridley Scott está
preparando su vuelta al mundo de la ciencia ficción retomando sus viejas
glorias. Y es que, como ya sabéis, este verano se estrenará Prometheus, una secuela de Alien (1979), la cual ya se ha
convertido en una de las películas más esperadas de 2012. ¿Pasara lo mismo con
Blade Runner 2? Esperamos que pronto nos lleguen más noticias sobre los
detalles de la misma; mientras tanto, os dejamos con el último tráiler de Prometheus.
Daniel Craig regresa como James Bond, el agente creado por Ian Fleming, en la 23ª aventura de la más longeva franquicia de todos los tiempos. En Skyfall, la lealtad de James Bond hacia M se pone a prueba mientras el pasado de esta la acecha. El MI6 es atacado y el agente 007 debe rastrear y destruir la amenaza, sin importar sus costes personales.
Muy buenas sensaciones son las que nos ha provocado este primer teaser de avance. Por un lado podemos ver Skyfall es un nombre que no le trae buenos recuerdos al agente con licencia para matar. Por otro, comprobamos que la acción sigue siendo realista, en el tono que marcó Casino Royale. Aunque lo que quiza parzca más destacable de estas primeras imágenes sea el atisbo de otro genial trabajo del director de fotografía Roger Deakins. Ni rastro de Javier Bardem como villano de la película (bueno, sí, se le ve de espaldas), apenas unos fotogramas de las nuevas mujeres Bond. Pero aun así ya tienen nuestra atención.
Recordemos que el filme será tratado y remasterizado para adaptarse al formato IMAX, haciendo así de Skyfall el primer largometraje de la saga en llegar a las pantallas IMAX.
La película cuenta también como protagonistas a Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Ben Whishaw, Albert Finney y Judi Dench como ‘M.’ Dirigida por Sam Mendes. Producida por Michael G. Wilson y Bárbara Broccoli.
La película comenzará su carrera mundial en el Reino Unido e Irlanda el 26 de octubre de 2012 y en España el 31 del mismo mes. Disfrutad del primer avance.
A lo largo de un festival como el de Sitges, por mucha acreditación de prensa que uno tenga, resulta imposible ver todas las películas que se proyectan, menos aun si se quieren realizar entrevistas con actores o directores. Por ese motivo se nos escapó The raid durante la pasada edición. Aun no tiene fecha de estreno en España y tememos que sea una de esas películas que, como Martyrs, por poner un ejemplo, nunca llegue a las salas comerciales.
Nosotros hemos tenido la suerte de verla en Londres, donde acaba de estrenarse y, desde luego, la hemos disfrutado como hacía mucho no lo hacíamos con el cine de acción. Y es que ver The Raid recuerda a la primera vez que uno se enfrenta con McClane a los terroristas en el Nakatomi Plaza. Esa sensación de amenaza constante, frenéticos enfrentamientos a vida o muerte, bailes de patadas, puñetazos y saltos, orgías de sangre, sudor y balas... Eso es lo que ofrece The Raid, que ha sido subtitulada en Inglaterra con la palabra "redeption", un detalle que ya indica que no se trata de pura acción. Hay más madera que cortar...
Por ese motivo no estamos ante una película vacía; no se trata de un producto de acción sin alma ni historia, una de esas películas "baratas" sin conflictos ni personajes. El guión, del que se encarga el propio director Gareth Evans, da las dosis exactas de información, pasado y futuro de los personajes, con suficientes giros en el guión para mantener al espectador pegado a la butaca incluso en las secuencias que no implican acción. La premisa, por tanto, y dejando los mejores detalles para que los descubra el espectador, se centra en un grupo de fuerzas especiales que entran en un edificio repleto de criminales.
Gareth Evans lleva a cabo una
fantástica labor al llevar a la pantalla su propio guión. No sólo dirige
la con una maestría asombrosa, con una planificación imposible, sino
que sus planos son a veces aunténticas poesias, imágenes de una lírica y
una belleza inusuales en la mayoría de producciones que llegan a la
pantalla. En el video que cierra esta entrada podéis ver parte del
trabajo de producción y el rodaje, donde se aprecia el
trabajo detrás de la cámara (con una inusual dupla de dos Directores
Fotografía, según los créditos).
Sin duda, lo más reseñable es la acción. En primer lugar, porque los protagonistas son los que hacen gran parte de las secuencias de riesgo (son el 80% del filme, no podía ser de otra manera). En segundo lugar, porque la planificación de Evans permite ver de forma nítida cada uno de los golpes, tiros, puñetazos, rodillazos o puñaladas que se suceden en la película, anque todo suceda tan rápido que a veces el espectador no pueda ni saber cuántos golpes ha llegado a recibir un personaje. Sin embargo, la cámara rueda siempre a uno o dos metros de la acción, por lo que (aprende, Michael Bay), el espectador es consciente en todo momento de lo que ocurre y la espectacularidad de la acción se multiplica. Así que si unimos a un grupo experto en artes marciales las coreografías más bestias, violentas y alocadas que recuerdo ver en mucho tiempo, junto a una planificación espectacular para seguir la acción, tenemos una de las películas de acción más espectaculares, directas e impactantes de los últimos tiempos. Los cables, por ejemplo, que se emplean para aumentar la espectacularidad física de las peleas en la mayoría de películas de acción, se emplean aquí para llevar la planificación donde de otra forma sería imposible (ese plano en que la cámara salta con los personajes de un piso a otro atravesando el suelo del edificio).
Cuando uno terminaba de ver Matrixpor primera vez quería saltar por las paredes y esquivar balas. Tras ver The Raid salí con el cuerpo dolorido porque sentía las palizas que había visto en pantalla (Evans te hace sentir cada golpe), pero, a pesar de todo, el resultado es similar a Matrix o Los Vengadores, no se te puede quitar la sonrisa del rostro.
Aunque en España aun no tiene fecha de estreno, en Londres hemos podido ver The Cabin in the Woods, una película imprescindible para el amante del cine fantástico, de terror y, por extensión, del cine de género.
Ya escribí en su momento una crítica para Planta 13, que Frank y Maruja se encargaron de compartir con todos vosotros en el Facebook de Cookies. Así que no voy a entrar en detalles sobre el filme, lo que voy a hacer es lanzar una serie de normas, tópicos y claves del cine de género. Este mes deconstruiremos el cine de género gracias a The Cabin in the Woods, aunque seguiremos las reglas del slasher tipo Viernes 13, por ser el que el filme de Goddar y Whedon critica y homenajea de forma más explicita.
Y para ello, lo primero es elegir qué nos va a perseguir, quién o qué va a cazar a nuestros protagonistas, cuál será la amenaza que el espectador al mismo tiempo teme y busca en la película. Y aunque cada año se estrenan filmes de todo tipo, es cierto que el cine va por épocas, y cada época está marcada por un subgéneros. Tenemos la temática religiosa, con exorcismos y demonios haciendo travesuras en su lucha inmortal contra El Bien. Luego están las tramas sobre infantes malrrolleros en Asia, que tuvieron una gran acogida entre el público no hace muchos años. Tenemos las siempre recurrentes casas encantadas y los fantasmas puñeteros y, por supuesto, los slashers tipo Viernes 13, La Matanza de Texas o Scream (aunque ésta también juega a deconstruir el género). Luego tenemos la moda de la porno tortura impuesta por la saga Saw y sus derivados tipo Hostel. Por supuesto, no podemos olvidar a criaturas míticas como hombres lobo, vampiros o los siempre recurrentes monstruos y criaturas salidos de la imaginación de Lovecraft; los aliens con tendencia a reventar pechos, criaturas mutantes o prehistóricas con sed de sangre y los zombis, que nunca pasan de moda y que pueden volver a ser la moda gracias al estreno de Guerra Mundial Z, que protagoniza Brad Pitt con vistas a un estreno en 2013.
Una vez hemos elegido la amenaza, seleccionamos una localización. Aquí disponemos de muchas variantes, pero los tópicos nos llevan a zonas abandonadas en las profundidades de Texas. Muchas historias se desarrollan en los barrios de clase media en los que vive la mayoría de los espectadores de estas películas y que son apropiados para thrillers sobre vecinos asesinos, viejos fantasmas en busca de venganza o slashers como Pesadilla en Elm Street. No podemos olvidar las casas y campamentos junto al lago, siempre alejados de la civilización y a kilómetros de la civilización.
Así que, una vez elegida la localización y la amenaza, nos queda elegir a los protagonistas. Y las opciones del género suelen ser clásico-tópicas de la muerte, así que aunque haya variables, los tópicos del género dictan que tengamos cinco personajes prototípicos, especialmente al centrarnos en los slashers.
La protagonista suele ser una virgen, aunque a día de hoy eso está un poco complicado visto el ritmo de las nuevas generaciones. Inocente, virginal, de gran corazón pero, sobre todo, luchadora. Tiene que aparentar ser débil pero será la más fuerte, la que se merezca sobrevivir al terror, aunque ya no vuelva a ser la misma tras lo vivido.
Luego está la jovenzuela que va en plan “I’m sexy and I know it”. Suelen ser mujeres a las que les gusta enseñar cacha y que ofrecen un poco de carnaza gratuita. Una de dos, o caen las primeras o resulta que son la mala de la película.
El siguiente prototipo de personaje es el colgado, el fumeta. Aquel al que como está todo el día ”puesto”, nadie toma en serio. Y siempre es el primero en darse cuenta de que algo raro está pasando. Suele ser empleado por directores y guionistas como alivio cómico y, en ocasiones, es la voz del espectador, alertando al resto del grupo de lo que está a punto de ocurrir.
Luego tenemos al guaperas de turno, al macizorro deportista que se lía con la golfilla y que intentará hacerse el héroe, no tanto por ayudar, sino por hacerse el “macho”. Las consecuencias, claro está, desastrosas. Y la audiencia terminará degustando una a una las onzas desmembradas de su tableta de chocolate.
Y siempre suele aparecer otro personaje masculino, el tipo sensible, mono pero no espectacular, el interés amoroso de la protagonista y que pasará desapercibido hasta que demuestre que tiene más valor que el guaperas protegiendo al grupo, demostrando que más vale maña que fuerza. Por desgracia para él (pero por fortuna para el aficionado), suele fracasar en el intento (o al menos parecer que lo hace hasta el clímax final).
Y una vez establecidos los personajes, las situaciones y los tópicos se suceden casi sin proponérselo. En cuanto introduces jóvenes adolescentes en una película de terror el sexo no tarda en llegar (normalmente en off, nunca mostrando más que unos pechos, a veces tan sólo unas braguitas y algo de lencería). Se sucederán las fiestas, el alcohol, las drogas y los escarceos carnales, empezando a mostrar un poquito de la carnaza que luego será alimento de la amenaza en cuestión.
Porque tan pronto como corre el alcohol, sabemos que empezarán a caer los protagonistas, cual moscas, uno por uno. Y aquí es donde empieza la diversión.
Scream 4, la última película en deconstruir el género de terror
Porque siempre está el personaje que dice “ahora vuelvo” y sabemos que nunca volverá. Pero, claro, usted ya es perro viejo en esto del cine de terror. Así que los guionistas ya no suelen matar a ese que se aventura en la noche en solitario, suelen matar al que espera en la seguridad. Como se dijo en la última película que deconstruyó el género, Scream 4, “lo inesperado es el nuevo cliché”.
Y es que el espectador va buscando que le sorprendan las muertes, que jueguen con sus emociones y expectativas. Quiere que las muertes sean lo más originales posibles. Especialmente tras la saga Saw, en la que se han visto las más explícitas, violentas y sí, por qué no decirlo, originales muertes del género en muchos años.
Y todo ello debe llevar a un clímax en el que la virgen, nuestra protagonista y al más puro estilo de Los inmortales (sólo puede quedar uno) esté a punto de morir a manos de la bestia o asesino. En algunas ocasiones se deja que la virgen sea salvada in extremis, cuando todo estaba perdido, por el chico mono y sensible, venciendo juntos al mal.
Sólo para descubrir que en el cine de terror, como ya proclamaba Zombieland, casi deconstruyendo el subgénero zombi, hay que seguir una regla básica al enfrentarse a la amenaza.: “Mata, y remata”. Pues en el cine de terror los malos nunca mueren.
Y cuando parece que todo ha terminado, que los protagonistas se han librado de la amenaza, el mal resurge de la forma más insospechada (incluso ridícula) posible.
Pero a veces, y especialmente tras la éxito de El Sexto Sentido, se lleva mucho en el cine de terror el denominado “giro final”. Se trata de una revelación, por tanto, que los creadores dejan para el final y obliga a revisar toda la película. Ocurrió con Saw también, obligando a un giro final cada vez más sorprendente y rocambolesco. (Ojo, porque sin destripar, puedo decir que el tramo final de The Cabin in the Woods es antológico por inesperado y desatado, no porque sea un giro final de órdago).
Desde luego, generalizar tanto sobre el género de terror no es la mejor opción y una auténtica deconstrucción requeriría de cientos, sino miles de páginas en un compendio que haría las delicias del profesor más sanguinario de cualquier facultad de comunicación o escuela de cine. Así que ahí lo dejo, una deconstrucción del género basada en esa "joyita” aun por estrenar que es The Cabin in the Woods, escrita entre Goddard y Joss (Los Vengadores) Wheddon.
Sólo me queda hacer un llamamiento para que el Festival de Sitges programe la película para disfrutarla con su público objetivo número: el amante del cine de terror.
“La sangre es la sangre” y es una premisa que se mantendrá desde el primer minuto de la filmación hasta el 113. Y no solamente porque Johnny Depp sea maldecido con ser un vampiro durante más de 200 años, sino porque aquí lo que mantiene la trama argumental son los lazos sanguíneos de la familia Collins, la cual pretende mantenerse en lo alto de la sociedad a pesar de los contratiempos.
Con contratiempos me refiero a una bruja chiflada que por culpa de los celos quiere amargar la existencia de nuestro vampiro llevándose por delante a todo el que pille. A todo ello hay que añadir una historia de amor al más puro estilo Cuarto Milenio. Dentro de toda esta historia lo que da un valor añadido de la película son los personajes que componen el famoso cuadro familiar. Una estirada y algo envejecida Michelle Pfieffer hace de la madre de una familia rica que da nombre a un pueblo que lucha desesperadamente por no terminar en la ruina. Su extravagante y algo alocada hija interpretada por Chloë Grace Moretz, a la que ya conocimos en Kick-Ass, no le pone las cosas fáciles. El hermano de la progenitora saca el lado más avaricioso de los Collins. Por desgracia ese comportamiento tan egocéntrico no ayuda para nada a su pequeño hijo que intenta superar la muerte de su madre, aunque asegurar que la ve como un fantasma no le ayuda para mucho. Como buena familia de bien disponen de un servicio, no muy amplio por los tiempos que corren para el marisco en los años setenta, contando con un jardinero-mayordomo-ayudante interpretado por Jackie Earle Haley, al que quizá nos cueste reconocer sin su máscara de Rorschach, que cuenta con la pésima ayuda de una octogenaria que tarda en limpiar un candelabro medio metraje; una psiquiatra interpretada por Helena Bonham Carter (mujer de Tim Burton), a la que su cara de loca le ayuda bastante a bordar el papel (aunque su físico nos hace dudar si vuelve a estar embarazada); y una institutriz que esconde un escalofriante secreto.
La relación de Tim Burton con Johnny Depp es más duradera que la de la pizarra y la tiza. Desde Eduardo manos tijeras hasta Sombras tenebrosas han pasado 22 años, donde les ha dado tiempo a que Burton fuera haciéndose una firma como el director lúgubre Hollywoodiense por excelencia mientras que Depp se ha transformado en la “musa” de esas películas oscuras y tétricas en las que ha estado presente como primera opción en todas, tanto físicamente como de manera animada. A esta curiosa sinergia se une a la ecuación Helena Bohanm Carter, con la que su marido y director ha contado con su interpretación en incontables ocasiones, en las que curiosamente la mayoría de ellas su personaje suele sentir una atracción hacia el interpretado por Jhonny Depp. Algo morboso, ¿no?
No puedo terminar esta crítica sin dejar constancia que a pesar del increíble reparto, los espectaculares efectos especiales y la perfecta ambientación tanto de 1752 como de 1972, he de confesar que no ha sido la mejor película que he visto de este oscuro dúo, pero no siempre se puede triunfar. Pero si lo que quieres es pasar una noche fresquito en el cine y echarte algunas risas es una buena opción.
The Walt Disney Studios ha anunciado que Marvel Los Vengadores cruzó el umbral de los mil millones de dólares en la taquilla mundial el trece de mayo, diecinueve días después de su estreno. Esta es la primera película de Marvel Studios y la quinta de Walt Disney Studios que alcanza este importante hito.
La noticia llega una semana después de que Marvel Los Vengadores hiciera historia recaudando en Estados Unidos 207,4 millones de dólares el primer fin de semana, el mayor estreno de todos los tiempos. La película ha recaudado 373,2 millones de dólares en Estados Unidos y 628,9 millones de dólares a nivel internacional. Tan sólo doce películas en la historia han conseguido recaudar más de 1000 millones de dólares y Los Vengadores se une a la lista de películas en superar esta cifra.
Pero, ¿qué hace de Los vengadores el gran éxito que está siendo?
La verdad, no es que tenga una trama especialmente original (un grupo de héroes se reunen para enfrentarse a un malvado ser que quiere dominar el mundo). Tampoco lo hace tener un antagonista especialmente amenazador (la sombra del Joker de Nolan es alargada y Loki en un poco moñas). La clave está en dos puntos base. Por un lado, es una película que muchos no tan jovencitos llevan esperando años y años. Aquellas generaciones que crecieron sin videojuegos, ni ordenador, ni internet, aquellos que crecieron leyendo comics y tebeos llevan mucho tiempo esperando una película como esta. Además, Marvel y Disney llevan preparando a la audiencia mas joven durante años, desde el estreno de Iron Man, en la que empezaron a plantear lo que podría ser Los Vengadores. Los efectos visuales, además, han alcanzado el punto exacto para convertir a esta película en un espectáculo visual incomparable que haga justicia a lo que se espera de la unión de algunos de los superheroes más poderosos de la cultura popular.
Pero, aún con todo, la película podría haber sido un fracaso (algo que en Disney hubiera supuesto una catástrofe, tras haberse caído con todo el equipo con John Carter, el mayor desastre económico de la compañía). Aquí entra en juego la segunda clave del éxito (para el que escribe, la principal). Y esa clave tiene nombre y apellidos: Joss Whedon, guionista y director, es el principal responsable de este éxito. El director de la infravalorada Serenity y coguionista de la revelación de género del año (The cabin in the woods) hace un trabajo de escuela al aglutinar tantos personajes de peso en un único protagonista: el equipo de los vengadores. El guión de Weddon se focaliza en enfrentar a sus protagonistas no sólo en batallas espectaculares, sino en enfrentamientos verbales entre personalidades chocantes, a medida que poco a poco van uniendose a un grupo que podría haber sido, en palabras de Bruce Banner, "una bomba de relojeria". Y lo hace con el humor por bandera. Esa es la clave del éxito.
Porque el balance en el guión de Weddon entre acción, heroismo, diálogos chispeantes y momentos de tensión es fantástico, sí; las secuencias de acción dejan con la boca abierta y son una orgía visual de acción que hará las delicias de cualquiera, pero... Para mi, el mayor acierto entre todos está en Hulk: “Queríamos crear un Hulk totalmente diferente", dice el director. "En el cómic, Bruce Banner y Hulk no se parecían nada. En la serie de televisión eran dos actores diferentes y en las películas siempre ha habido un actor y una criatura creada por ordenador. Pero ahora, gracias a los avances de la tecnología de captura de movimientos, queríamos que Mark Ruffalo interpretase las dos facetas del personaje". Y es que el personaje no sólo mejora gracias a la captura de movimientos llevada a cabo por los magos de ILM, sino que es el guión de Weddon, con el humor por bandera, el que da con la clave. Porque los mejores golpes de la pelcula (humorísticos, entiéndase) vienen de su parte. (Spoilers en las siguientes líneas, salta de párrafo si no has visto la película. De hecho, lárgate al cine si aun no la ha visto y sigue leyendo después). Por ejemplo, durante la lucha que mantienen mano a mano Thor y Hulk, los dos terminan tras un gran momento de trabajo en equipo y acción para, justo al final, Hulk arrear un puñetazo al Dios del martillo que le borra de la pantalla. Carcajadas y aplausos en la platea. O, tras el discurso de Loki en plan "soy un dios todopoderoso y todos se arrodillarán ante mi", Hulk se despacha con él machacándole cual marioneta rota. Weddon se encarga de que todos los personajes tengan su momento de humor en pantalla (ese "es adoptado" que salta Thor en referencia a Loki; ese "Shakespeare en el parque" en palabras de Tony Stark, el interrogatorio de la Viuda Negra o las razones del Capitán América para que la policía siga sus órdenes). Así que las carcajadas en los cines están aseguradas y, desde luego, los billetes también.
"Obviamente estamos encantados con el éxito mundial de Los Vengadores", dijo Robert A. Iger, Presidente y CEO de Disney. "Es una película fantástica y una franquicia extraordinaria que continuará contando grandes historias y reuniendo personajes de peso en los próximos años." En España “Marvel Los Vengadores” lleva recaudados más de 12,8 millones de euros y la han visto más de 1,8 millones de espectadores desde su estreno el 27 de abril. El 8 de mayo, Disney anunció que la secuela de Marvel Los Vengadores estaba en desarrollo, tras anunciar el mes pasado que la continuación de Capitán América será estrenada el 04 de abril de 2014. Una secuela de Thor tiene previsto su lanzamiento el 15 de noviembre de 2013, y la tercera entrega de la exitosa saga de Iron Man, que ha ganado más de 1.2 millones de dólares a nivel mundial, llegará a los cines el 3 de mayo de 2013.
A pesar de que el nacimiento del
género de ciencia ficción fue casi a la par que el del propio cine (solo hay
que recordar los fantásticos montajes de George Méliès), fue en los años cincuenta
cuando de verdad este género se puso de moda. Lo cierto es que más bien este
fenómeno cinematográfico se debió a una locura desatada entre la sociedad
estadounidense que aseguraban haber sido testigos de una gran cantidad de
avistamientos de platillos volantes y
OVNIs. Como consecuencia de esa obsesión generalizada por los extraterrestres,
el cine de ciencia ficción (que siempre había sido un género de serie B) vio
que era el momento de aprovechar y darle al público lo que estaba pidiendo a
gritos.
Entre la gran cantidad de títulos
que surgieron durante esta época, destacan algunas como La Guerra de los mundos (1953) o La tierra contra los platillos voladores (1956). Esta última,
rodada en blanco y negro, se convirtió en uno de los clásicos imprescindibles y
dio una vuelta de tuerca al cine de extraterrestres ¿Por qué? Ahora lo
explicaremos.
El argumento, al igual que en La Guerra de los mundos u otras muchas
películas de esta época, gira en torno a una invasión de la tierra llevada a
cabo por unos seres de otro planeta. La diferencia principal dista en que, al
contrario que en el resto de filmes, los extraterrestres de La tierra contra los platillos volantes
vienen en son de paz para conocer a los habitantes de la tierra amistosamente,
pero todo cambia cuando un soldado dispara por error a uno de los seres y, al
no entender estos a qué se debe ese ataque, desatan su furia contra la
humanidad decidiendo acabar con ella. Así que la primera novedad frente a otros
títulos de estas características es que los humanos somos los que estamos
provocando nuestra propia destrucción. Y así mismo, otra de las diferencias con
películas como La guerra de los mundos
en la que los extraterrestres morían a causa de un virus, será que los humanos deberán
salvarse a sí mismos mediante su tecnología armamentística y sus estrategias.
Otra de las cosas que hace especial
a este filme es que está basado en el libro Flying Saucers from Outer Space, obra del militar Donald K.
Keyhoe cuya carrera estaba tan centrada en el estudio de los OVNIs que le llevó a lo más alto de la NICAP (una
organización mundial dedicada al estudio de estos fenómenos). Lo curioso de
esto es que la obra de Keyhoe está basada en “hechos reales”; esto es que, aunque
se trate de una novela fantástica, las premisas de las que parte son datos,
estudios y sucesos reales. Esta misma autenticidad es la que se quiso
transmitir en la película utilizando una voz en off al principio de la misma en
la que se explican los procedimientos militares que se llevaban a cabo en
Estados Unidos con esta clase de fenómenos.
Uno de los grandes aciertos de
Fred F. Sears, director de la película, fue contar con el gran Ray Harryhausen
para los efectos especiales. Para realizar los efectos de La tierra contra los platillos volantes Harryhausen ideó un sistema
a base de fotografías que revolucionaría el mundo de los efectos. Este sistema
no es otro que el stop-motion que aún a día de hoy se sigue usando y que permitió
crear verdaderas obras de arte en el cine de aventuras, fantasía y ciencia
ficción. En este caso, se dice que Harryhausen llegó a utilizar fotos reales de
OVNIs que habían sido tomadas en 1954 en Inglaterra para poder diseñar los
platillos volantes de la manera más creíble posible.
Por lo demás, la película es
correcta en cuanto a actuaciones y dirección sin destacar ninguno de los dos puesto
que lo que hace imprescindible a este clásico es más el trasfondo social y
crítico que se puede leer. Recordando la situación política y social que vivía
Estados Unidos en los cincuenta, entre la Guerra Fría y el American Way of
Life, Fred F. Sears intentó hacer ver al público dos puntos que podrían llegar
a ser contradictorios: por un lado, que los únicos causantes de “los males de
la humanidad” somos nosotros mismos y por otro, que pase lo que pase ahí estará
el ejército de Estados Unidos para salvar el mundo (después de casi destruirlo)
y ser los héroes que siempre acaban siendo. Al fin y al cabo, como ya sabemos, durante la Guerra Fría los filmes de invasiones alienígenas eran una metáfora de la lucha de EEUU contra el comunismo. Aún así, como viene siendo típico en el cine, que cada uno lo interprete como quiera.
Estamos ante una de esas películas que seguro el señor Angel Sala intentará conseguir para el próximo festival de Sitges. Excisión está escrita y dirigida por Richard Bates Jr., su obra debut (basada en su corto del mismo nombre) se ha estrenado en el festival de Sundance y el Fantasia, otro d elos festivales de terror y fantasia meas famosos del mundo.
El filme, tal y como se puede apreciar en el tráiler, promete ser un paranoico y surrealista retrato de la adolescencia mucho más allá de las habituales comedias juveniles, para algunos que la han visto más cercano quizás al cine de David Lynch. El tema, básicamente, es que la vida apesta cuando tienes diecisiete años. La joven Pauline tiene que luchar contra las presiones que tiene en el instituto, complacer a sus padres y con el ardiente deseo de perder la virginidad. Con una grotesca curiosidad por el lado más oscuro de la vida, Pauline es considerada una marginada social por todos los que la rodean. Atraída por la carne, se abandona en sus propias fantasías y esperanzas de convertirse en un gran cirujano… Eso si ella no se vuelve mentalmente loca primero.
AnnaLynne McCord es la protagonista, a la que acompañan Traci Lords, Ariel Winter, John Waters, Marlee Matlin y Malcolm McDowell.
El director de la divertidísima Zombieland regresa al cine tras su (entretenida pero simplona) 30 min or less. Y lo hace a lo grande. Con un gran reparto encabezado por Sean Penn, el director Ruben Fleischer se rodea de nombres como Nick Nolte, Ryan Gosling o Emma Stone para este thriller de época en las calles de Los Angeles.
El aspecto visual es excelente, con una estilización en toda la puesta en escena: desde la fotografía al vestuario, pasando por la planificación o las localizaciones. Desentona un poco la canción, que no termina de encajar con la época en que está ambientada la historia pero que intuimos ha sido elegida para llamar la atención de la gente joven, quizá menos atraida por esta propuesta de calado más "adulto".
La época de estreno, noviembre de este año, parece indicar sus intenciones de posicionarse de cara a los Oscar. En realidad, lo tiene todo para gustar: una historia de policías y ladrones clásica ambientada en Hollywood, en Los Angeles. Quizá juegue en su contra, en primer lugar, la posibilidad de un exceso de violencia que enamoraría a muchos pero reduciría sus expectativas de galardones (caso de Drive el año pasado). En segundo lugar, ya se premió L.A. Confidential, con la que podría tener varias similitudes. Y ya sabemos que la Academia tiene sus propias reglas no escritas.
Por ahora, disfrutad del trailer, porque tiene un aspecto fantástico...
Que Prometheus es uno de los proyectos más esperados aquí en la Planta 13 es algo que salta a la vista. Le hemos dedicado varias entradas al regreso de Ridley Scott a la ciencia ficción. Lo que no podíamos imaginar es que este proyecto fuera a suponer el fin de otro que llevamos mucho tiempo esperando:la adaptación de En las montañas de la locura, que el año pasado iba a haber iniciado su andadura con Guillermo del Toro en labores de guionista y director y con James Cameron en la producción, sin embargo, Universal puso el freno al proyecto debido al enorme presupuesto y la exigencia de Del Toro por hacer una película con calificación para mayores de dieciocho años. Y es que Guillermo del Toro ha anunciado que Prometheus ha paralizado (si no eliminado) la posibilidad de continuar con un proyecto por el que el director mexicano ha luchado casi una década.
Así lo explica en su foro oficial: Prometheus comenzó a rodarse hace bastante, justo cuando Pacific Rim entró en producción. El título me hizo detenerme, sabiendo que Alien estaba muy influenciado por Lovecraft y su novela. En este momento, décadas después con el presupuesto y el lugar ocupado por Ridley Scott, asumí que la metáfora griega aludía a los aspectos de creación del libro de Lovecraft. Creo que tengo razón y si es así, como fan, me encanta ver una nueva cinta de ciencia ficción de Ridley Scott, pero eso marcará probablemente una pausa, si no la muerte, de En las montañas de la locura. La parte triste es que llevo persiguiendo En las montañas de la locura desde hace una década y, bueno, tras Hellboy 2, dos proyectos que amaba profundamente no llegaron a buen término. La parte buena es que uno sí lo hizo... Y me encanta y estoy muy agradecido por las bendiciones que he recibido".
Pero, ¿qué tiene que ver Prometheus con la novela de Lovecraft En las montañas de la locura?: "la misma premisa", asegura Del Toro. "Hay escenas que serían casi idénticas". De hecho, el cineasta considera que "las dos películas parecen compartir piezas idénticas y la misma gran revelación (giro) al final". No lo vamos a revelar aquí para quienes no hayan leído el libro. Nosotros, que sí lo hemos hecho, tenemos ya muy claro a qué se refiere Del Toro y, aunque sea una tremenda decepción que el director de El laberinto del fauno se quede sin su amado proyecto, tenemos muchísimas ganas de ver por fin Prometheus, de la que hablaremos en cuanto la veamos en el Imax.
A punto de cumplir los sesenta y cinco años, el actor que
un día encarnó al mismísimo Terminator prepara su regreso al cine de acción por
todo lo alto. A pesar de que este verano ya podremos ver a Arnold Schwarzenegger
en un pequeño papel para Los Mercenarios2, su sorprendente vuelta como héroe protagonista se ve reconfirmada
gracias a Ten, película cuya dirección
correrá a cargo de David Ayer.
Pocos actores consiguen volver a la gran pantalla y
recuperar su carrera tras haberse alejado del mundo de Hollywood durante varios
años. Pero parece que para Arnold esto de haberse dedicado durante los últimos
años a la política o de haber superado ya los sesenta, no ha afectado para nada
a su carrera en el cine de acción. Y es que el actor acaba de terminar de rodar
The Last Sand y The Tomb (en la que le podremos ver junto a Sylvester Stallone),
ambas películas de acción llegarán a las pantallas en 2013. Así mismo, durante ese año Arnold comenzará el
rodaje de Unknow soldier, el que iba
a ser su último proyecto hasta que se ha confirmado su incorporación a Ten.
El argumento de esta última gira en torno a un equipo de élite de la
DEA (la agencia antidroga de Estados Unidos) que, con la excusa de desmantelar
a un grupo de traficantes, se intentará hacer con una gran suma de dinero en
droga. Cuando el corrupto equipo piense que su operación ha salido tal y como ellos habían planeado, misteriosamente
sus componentes comenzarán a aparecer muertos uno a uno.
David Ayer, conocido más por ser guionista de Training Day, The Fast and The Furious o S.W.A.T.
que como director, se pondrá en la cabeza de esta nueva producción de la
compañía Open Road. En cambio, esta vez no será él quien firme el guión, sino Skip
Woods, quien también ha sido el guionista de otra de las próximas películas de
acción que estará protagonizada por un grupo de hombres que supera los
cincuenta, Die Hard 5.
Parece que Arnold está en racha y que la industria del cine
no se ha olvidado de él. El mismo David Ayer afirmó hace unos días: “Va a ser
un papel increíble para Arnold. El mundo de esta película se centra en la
realidad y para conseguirla vamos a contar con un casting magnífico. No hay
nada más emocionante para un cineasta que poder trabajar con uno de sus héroes
de todos los tiempos”. Esperamos que el público y la crítica también se sientan
emocionados al volver a ver en acción a uno de los grandes héroes de todos los
tiempos.
Sony Pictures nos pasa el comunicado de que acaba de comenzar el rodaje de Evil dead en Auckland, Nueva Zelanda y finalizará a principios de julio de 2012.
Ghost House Pictures produce la muy esperada nueva versión de la película de culto de terror de 1981 dirigida por Sam Raimi, Posesión infernal (The Evil Dead). El filme, que lanzó las carreras de Sam Raimi (franquicia Spider-Man); Rob Tapert (30 días de oscuridad) y Bruce Campbell en el personaje de Ash y coproductor de la entrega original, vuelve a reunirlos a todos para producir una Posesión infernal (Evil Dead) para el público de hoy, con una gran dosis de terror, “gore”, inesperados giros y mucho más en el guión escrito por Fede Alvarez y Rodo Sayagues.
Los productores ejecutivos son J.R. Young, Nathan Kahane, Joseph Drake y Peter Schlessel.
Sony Pictures Worldwide Acquisitions (SPWA) y FilmDistrict se han asociado con Ghost House Pictures en un acuerdo mundial –que excluye a Reino Unido y Francia- para la distribución de la nueva versión de Evil Dead por parte de Sony.
Cinco veinteañeros se refugian en una remota cabaña donde descubren “El Libro de los Muertos” y sin ser conscientes de ello despiertan a los demonios que habitan en los bosques cercanos. Sucesivamente todos los jóvenes son poseídos menos uno, quien tiene que enfrentarse al mal y luchar por su vida.
El reparto de jóvenes nuevos talentos incluye a Jane Levy (Suburgatory) como Mia; Shiloh Fernandez (Deadgirl, Caperucita roja ¿A quién tienes miedo?) en el papel de David; Lou Taylor Pucci (Infectados) como Eric; Jessica Lucas (Monstruoso) dando vida a Olivia y Elizabeth Blackmore (La leyenda del buscador) como Natalie.
“Este reparto de floreciente talento comparte el mismo espíritu que nos inspiró para crear la entrega original”, afirma Tapert. “El deseo de brindar una película sorprendente y una terrorífica e intensa experiencia para el público”. Evil Dead marca el debut como director de Fede Alvarez. Uruguayo de origen, Alvarez estudió realización cinematográfica y comunicación, y más tarde fundó su propia compañía de producción y postproducción. En 2005 ganó una beca para completar un master en guión cinematográfico en Ámsterdam. En noviembre de 2009, colgó en Internet su cortometraje de cuatro minutos Panic Attack!, e instantáneamente se convirtió en un fenómeno en la red que despertó el interés de Hollywood y especialmente de Ghost House Pictures.
“En Fede Alvarez hemos encontrado a un artista brillante. Como director entiende qué hace que una historia funcione y cómo hacer que todas las piezas encajen”, asegura Raimi. “Tengo muchas ganas de ver esta historia, que es tan querida para mí, en esta nueva versión contada por un narrador de semejante talento”.
Estamos ante uno de los veranos más potentes en lo que a super héroes se refiere. El mundo disfruta ya de Los Vengadores, mientras que El caballero Oscuro prepara la capa para enfrentarse a su mayor oponente y Spiderman prepara sus telarañas para enfrentarse al lagarto. Será en Julio cuando llegue a España (y a los cines de todo el mundo) el reinicio de la saga del trepamuros. The Amazing Spider-Man, una nueva entrega que volverá al comienzo de la historia y que promete pasar a un terreno menos explorado por las películas de Raimi: la relación y lo acontecido con sus padres.
El proyecto ha sido dirigido por Marc Webb (500 días de verano) y, ahora sí, podemos ver más de esa búsqueda de Parker por averiguar qué pasó con sus padres, la persecución policial que se lanzará contra él y la esperada batalla que le enfrentará al Lagarto, mientras una amenaza biológica azota a la Gran Manzana...
Todo, en un entorno de 3D que pretende ser un espectáculo, dada la realización del filme con aunténtico sistema esteroscópico (y no una de esas conversiones en postproducción como Los Vengadores de Weddon). Veremos qué hace Webb, quien demostró un tremendo derroche de imaginación visual en 500 días de verano, con un presupuesto de superporducción y varias secuencias de fuerte acción y puro espectáculo en el guión de este reinicio. Quizá sea el proyecto menos esperado del verano pero, ojo, porque podría dar alguna sorpresa...
Ya pasamos la fiebre del sábado noche, padecimos la locura de los Tamagotchi y hasta hemos sobrevivido a las plataformas. Pero las modas son parte fundamental de la sociedad y siempre estarán presentes. A lo que series televisivas se refiere, entre zombies, médicos y cuentos de toda la vida nos encontramos con unos personajes que han sido protagonistas más de cincuenta veces en la gran pantalla, los vampiros. Actualmente tenemos dos referentes de este sector, como son True Blood y Being Human (la adaptación canadiense de la serie original británica).
Sangre fresca cuenta con una trayectoria de cuatro temporadas sacadas de una saga literaria de categoría, mientras que Casi humanos es mucho más reciente con dos temporadas a sus espaldas. En ambas los sobrenatural es la base argumental, contando con personajes fantástico, en el caso de la segunda serie la fuerza recae en un vampiro, un hombre lobo y una fantasma, pero en True Blood, como su propio nombre indica, los vampiros son los reyes del cotarro. Aunque se rodean de seres mucho más variopintos.
Cuando hay dos opciones similares no puedes evitar las comparaciones, aunque puedas disfrutar de ambas. Están rodadas en la actualidad, pero con la localización consiguen una ambientación totalmente diferente: la ciudad parece un sitio frío y desolador mientras que un pueblo de suramérica llega a ser familiarmente peligroso. En las dos corren litros de sangre más o menos realista; el sexo hace su aparición pero en True Blood llega a ser un personaje más; el amor es una trama argumental y en el caso de Being Human, de momento, no hay triángulo amoroso.
En nuestras mentes están impregnados los principios de los vampiros: nada de ajos, luz solar, plata ni estacas de madera; se alimentan de sangre; duermen bajo tierra durante el día; y su sociedad está establecida por reales jerarquías. Partiendo de estas claves luego los directores tienen el libre albedrío de tomarse ciertas licencias: creando bebidas que imitan a la sangre o que tengan que recurrir al suministro sanguíneo de un hospital para no hacer daño a los humanos; teniendo partidos políticos que les representan o que sobornan a ciertos sectores de importancia para tapar sus “accidentes”; y cada uno representa las conversiones a su estilo.
Los hombres lobo también son un gran referente fantástico. True Blood sigue la tradición de tratar a estos seres en manada, pero en Casi humanos la apariencia y transformación a lobo, una vez al mes, es desgarradora y horrible, creando a seres peligrosos que necesitan encerrarse aislados para no ser asesinos. Sería como comparar los lobos de Crepúsculo con Lupin de Harry Potter.
La última compañera de piso en Being human es una fantasma con la que estamos aprendiendo el mundo interno que hay en un muerto que está esperando su puerta. A falta de fantasmas buenas, en True blood son hadas, brujas, cambiantes, hombres pantera… Y es que la serie se caracteriza por su gran variedad de personajes, subtramas y giros. A pesar de ello yo seguiría dándole una oportunidad a Casi humanos porque a pesar de su tono excesivamente lúgubre y duro puede que nos esperen curiosas sorpresas.
Pocas coyunturas históricas han sido tan propicias para reflexionar sobre la caducidad del todo. 2012, año de crisis económica y espiritual, de los nuevos brujos de cuello blanco que nos guían sonrientes al desfiladero, del retorno a la espada de Damocles nuclear, del finis hominis romano grabado en la roca de un templo maya. Y todo registrado en un aparato de 4X2cms.
El fin del mundo como lo conocemos ha estado presente en la literatura, el cómic y el cine durante todas las épocas y desde diferentes enfoques. Centrándose unas veces en las propias catástrofes que causan un hipotético apocalipsis, o en el día después y la odisea de los supervivientes, la ficción ha imaginado cientos de paisajes para el Armagedón: desde desastres naturales, sociales, guerras nucleares o invasiones extraterrestres. Por ello, Sitges quiere convertir esta idea tan cinematográfica e indeleblemente atrincherada en el imaginario popular, en el marco conceptual de su 45ª edición.
Asimismo, el festival quiere destacar que el signo de los tiempos nos conduce a un apocalipsis retransmitido en directo, a través de testigos infinitos e interconectados, armados con cámaras en sus dispositivos de telefonía móvil, vinculando la cada vez más clara relación del género con lo inmediato. Quién iba a decir a los grandes maestros preocupados por el devenir del medio cinematográfico que en el futuro, cada persona llevaría encima una cámara de cine… que el mundo se fundiría en una red eterna y retroalimentada de creadores de imagen en movimiento. Sitges no podía ser ajeno a este fenómeno, por lo que las cámaras con teléfono (sí, lo hemos dicho bien), también serán protagonistas de Sitges 2012.
Para ir ambientando la fiesta del fin del mundo, Sitges rescatará alguna joya oculta de cine apocalíptico, así como propuestas recientes que están renovando este subgénero de anticipación.
Y ya que algunos interpretan el finis hominis como un cambio, un nuevo principio, desde la programación se aportarán elementos de reflexión cinematográfica que sirvan de plataforma hacia el infinito para este nuevo hombre-cine que auguran los menos pesimistas: celebraremos el 20º aniversario de una película emblemática estrenada en Sitges como es Reservoir Dogs, y sobre la figura de Tarantino como generador de una nueva corriente que ha renovado el llamado cine de culto, diseñando una retrospectiva y una publicación en torno a todo este concepto.
El cartel de la 45ª edición del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha sido realizado por China, la agencia de publicidad del festival, en colaboración con Inocuo Design, el pionero estudio barcelonés de diseño, fotografía e ilustración. El público podrá observar la imagen en una gran lona de 4 metros, expuesta en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona entre el 3 y 6 de mayo.
Ambientada en el Sur de los Estados Unidos dos años antes de estallar la Guerra Civil, Django Desencadenado está protagonizada por el actor ganador del Oscar® Jamie Foxx en el papel de Django, un esclavo cuyo brutal pasado con sus antiguos dueños le coloca cara a cara con el cazarrecompensas de origen alemán, el Dr. King Schultz (el actor ganador del Oscar® Christoph Waltz). Schultz sigue la pista a unos asesinos, los hermanos Brittle, y Django es el único que podrá guiarle hasta ellos para lograr su recompensa. El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle – vivos o muertos.
El éxito en su misión hace que Schultz libere a Django, pero ambos optan por no separarse y seguir el mismo camino. De esta forma, con la ayuda de Django, Schultz emprende la búsqueda y captura de los delincuentes más buscados del Sur. Perfeccionando sus aptitudes como cazador, Django se mantiene centrado en una única meta: hallar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que le fue arrebatada por el tráfico de esclavos muchos años atrás.
La búsqueda de Django y Schultz los guiará en última instancia a Calvin Candie (encarnado por el actor nominado al Oscar® Leonardo DiCaprio), el propietario de “Candyland”, una infame plantación donde los esclavos son preparados por el entrenador Ace Woody (Kurt Russell) para luchar unos contra otros por diversión. Al examinar la propiedad bajo falsas pretensiones, Django y Schultz levantan la sospecha de Stephen (el actor nominado al Oscar® Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de Candie. Ahora siguen sus pasos, y una despiadada organización se les aproxima. Si Django y Schultz quieren escapar con Broomhilda, se verán obligados a escoger entre la independencia y la solidaridad, entre el sacrificio y la supervivencia…
Escrita y dirigida por el ganador del Oscar® Quentin Tarantino, y protagonizada por Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Christoph Waltz, Kurt Russell y Samuel L. Jackson, se estrenará en España el 25 de Enero de 2013.
Pues ya está aquí. Los últimos días han sido ligeramente ajetreados para el fan ávido de información e imágenes, entre el estreno de Los Vengadores, el trailer internacional de tres minutos de Prometheus y la campaña viral del trailer de lo nuevo de Nolan, la épica conclusión a la trilogía sobre Batman y el Caballero Oscuro. Durante la madrugada del Lunes al Martes en horario español saltó en el facebook oficial de la película el trailer que, rápidamente, se extendió como la pólvora por redes sociales, blogs y sitios web.
En este nuevo avance podemos ver un poco más de la trama, pero el equipo de marketing está sabiendo llevar muy bien la promoción, dándo las píldoras necesarias para avivar a los aficionados sin revelar media película (como algunos temen haya ocurrido en el último avance de Prometheus). Podemos ver algunos fragmentos de la secuencia que ya se mostraba con las copias de la última Misión imposible en los Imax, la secuencia de apertura y presentación de Bane, en la que el avión de la imágen que abre esta entrada es protagonista. Esa secuencia, vista en Imax, podemos asegurar que es una gozada. En el trailer se demuestra que la voz de Bane va a ser complicada de entender, como ya se había discutido hace tiempo, pero su agresividad y efecto son igualmente efectivos. Este es un villano fuerte.
Parece que Batman estará totalmente quebrado en esta nueva entrega. Mientras Alfred afirma que no tiene intención alguna de enterrar a Bruce (“Ya enterré a demasiados miembros de esta familia” dice), el hombre murciélago contesta que aunque crean que ha dado todo por Gotham, aún le queda algo y, ojo, porque parece que, esta vez sí, Batman encontrará un adversario que podría acabar con el.
En este avance también podemos vislumbrar que Marion Cotillard (¿es ella, verdad?) tendrá sus escarceos con Bruce e incluso podemos ver a Catwoman luchando junto a Batman. Y es que en esta ocasión, nuestro héroe necesitará toda la ayuda posible porque, citando las palabras de Selena Kyle (Catwoman), con las que empieza el avance...
